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lunes, 7 de octubre de 2013

METALLICA: LA MUERTE DE BURTON (Alejandro Patrizio)

La gira de presentación del disco comenzó en verano de 1986 con el guitarrista rítmico John Marshall, ya que Hetfield se había roto la muñeca en un accidente de skateboard. 

En dicha gira, esta vez en Europa y c
on Hetfield recuperado, el autobús de la gira circulaba por las carreteras suecas a las 6:15 horas de la mañana del 27 de septiembre; Cliff se encontraba durmiendo en la litera asignada a Kirk Hammett (debido a que éste último había perdido en una apuesta), y repentinamente el autobús volcó cerca del pueblo de Ljungby, mientras que Hammett, Ulrich y Hetfield no sufrieron daños físicos preocupantes, el autobús cayó sobre el cuerpo del bajista, tras salir despedido por la ventana, causándole la muerte de forma instantánea. Según el conductor, el autobús derrapó debido a las placas de hielo que había en la carretera, lo que ocasionó el vuelco; Hetfield, furioso por lo sucedido, intentó golpear al conductor, siendo detenido por sus compañeros. Posteriormente recorrió una distancia considerable de la carretera buscando las placas, pero no encontró nada. En el funeral de Burton, se escuchó el tema «Orion».
Su muerte provocó la suspensión de la gira de la banda y la retirada de los tres miembros restantes para pensar al respecto de su futuro. Finalmente, y después de consultar a los familiares del fallecido bajista, decidieron continuar con la carrera musical de la banda, y reclutaron al bajista Jason Newsted de la banda Flotsam and Jetsam, en lugar de Cliff, puesto para el cual también optó Les Claypool entre más de 40 músicos. Al año siguiente la banda volvería a Europa para completar la gira con su nuevo bajista.
En su primera actuación con Metallica, Newsted tocó un solo de bajo, lo que provocó un descontento entre los fans de la banda, quienes consideraron esto como una falta de respeto hacia Burton.

HISTORIA DEL GRUPO CREMATORY (Alejandro Patrizio)

Recibieron su más temprano reconocimiento en la mitad del 1990 como compañeros de gira de My Dying Bride, Tiamat y Atrocity. 

Como los comienzos de los anteriores grupos mencionados, la banda ha empezado con un death metal tradicional, a partir de su segundo álbum ...Just Dreaming introdujeron un sonido muy auténtico inclinándose a usar el teclado de una forma no antes usada en el estilo de música, y evolucionaron con una dirección hacia la música industrial y el metal gótico en los últimos álbumes. El éxito de la banda también les condujo a actuaciones en diversos festivales de extreme metal (o metal extremo), incluyendo el alemán Wacken Open Air en los años 1996, 1998, 1999, y 2001, además de incluirse en muestras recopilatorias de Nuclear Blast.
Volvieron a firmar con Massacre Records en 2006 después de un período de 10 años con Nuclear Blast; Massacre también ha sido la primera discográfica de la banda.
Activos desde hace 15 años (con una breve ruptura entre el 2001 y el 2003) están entre uno de los grupos europeos de carrera más larga relacionados con el género del metal gótico.

BURZUM: EL GRUPO NORUEGO DE BLACK METAL (Alejandro Patrizio)

Burzum es un proyecto musical de black metal formado en 1990 por el noruego Count Grishnackh (sic, de nombre real Varg Vikernes). Está considerado como uno de los proyectos impulsores del black metal noruego a comienzos de los años 1990. Ha publicado once discos de estudio hasta la fecha.

El nombre burzum significa ‘oscuridad’ en lengua negra, el idioma de Mordor inventado por J. R. R. Tolkien. Según Vikernes, «el mundo necesita oscuridad, porque el exceso de luz no nos ilumina ni nos abriga sino que nos ciega y nos abrasa», y ésta es la idea que subyace en el nombre. La frase más conocida donde aparece la palabra burzum es la inscripción del Anillo Único de la novela El Señor de los Anillos: «Ash Nazg durbatulûk, ash Nazg gimbatul, ash Nazg thrakatulûk agh burzum-ishi krimpatul».
Burzum solo cuenta con un único integrante, Varg Vikernes (Uruk-Hai, Old Funeral), aunque ha contado con la colaboración de otros músicos como Euronymous y Samoth. Las primeras grabaciones de Burzum salieron a la venta en 1991.

VARG VIKERNES Y EL ASESINATO DE EURONYMOUS (Alejandro Patrizio)

En agosto de 1993, el mismo mes en que sale a la venta su segundo álbum discográfico, Varg Vikernes viaja de noche en automóvil, de la ciudad de Bergen a Oslo, acompañado por Snorre Ruch, fundador del grupo Thorns. 

Según Vikernes, se había enterado por un amigo común de que Euronymous planeaba matarle, o al menos que le había dicho a varias personas, que le gustaría torturarle y matarle. Por aquella época hacía ya tiempo que se mostraba un odio intrínseco el uno hacia el otro, y Vikernes intentaba sacar su tercer álbum musical a través de otra discográfica, de forma que esta vez Euronymous no estaría a cargo de la producción; además que Euronymous había sido detenido recientemente por haber herido a unos chicos con una botella de vidrio, por lo que Vikernes tomó en serio la supuesta amenaza. Al no sentirse intimidado y, para demostrar que no le temía, decide ir a verle a su propia casa para enfrentarse con él personalmente.
Según Vikernes, al llegar a Oslo, llama al teléfono diciendo quién es y poniendo como excusa que quiere hablar sobre un contrato, Snorre Ruch queda esperando en la calle. Una vez dentro de su casa, cuando están ambos cara a cara, Aerseth se dirige hacia la cocina a buscar un cuchillo, tras regresar con dicho, intenta fallidamente asestar un golpe a Vikernes, pero éste le esquiva y quita el arma de la mano, y en subsecuente e instantáneamente Aerseth corre por el edificio, escaleras abajo. Vikernes le alcanza y mata en la pugna. La huida de Vikernes en dicho momento es desesperada, tanto que la policía casi detuvo el coche en una ocasión mientras volvía a Bergen. Días antes, cuando a Vikernes lo han acusado de quemar iglesias, Aerseth ya había declarado: "[...] Pronto será reconocido por algo más grande". Sin saberlo, había pronosticado su propia muerte. En su acusación por asesinato se incluían también cargos de piromanía hacia varias iglesias centenarias noruegas. La imagen de los restos calcinados de una de estas iglesias constituye la portada de la primera versión de Aske, y existe también una edición pirata de uno de los discos cuya contraportada incluye un recortable de una iglesia junto al texto: "Quema tu propia iglesia". Sin embargo, Vikernes no ha admitido ni desmentido los hechos hasta la fecha. Sin más evidencia que testimonios de individuos que aparentemente también participaron en la quema de iglesias, se le condena a prisión.

EL TIMBRE MUSICAL (Alejandro Patrizio)

Los sonidos que escuchamos son complejos, es decir, están compuestos por varias ondas simultáneas, pero que nosotros percibimos como uno. El timbre depende de la cantidad de armónicos que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos.

En el movimiento vibratorio generador del sonido intervienen, simultáneamente, de una parte, un movimiento vibratorio principal, y de otra, uno o más movimientos vibratorios secundarios. En el lenguaje, el tono fundamental de cada sonido es el que producen las vibraciones de las cuerdas vocales y los tonos secundarios resultan de las resonancias que aquel produce en las cavidades formadas en el canal vocal de acuerdo con la posición de los órganos articuladores. A cada cavidad o resonador, según su forma y volumen, le corresponde una nota de una altura determinada. En este conjunto sonoro de tono fundamental y tonos secundarios, el resonador predominante es el que determina el timbre o matiz característico de cada sonido.
Se habla de timbre en función de aquella cualidad que permite diferenciar un sonido de otro, sea este musical o no. Algunas definiciones se refieren al timbre como una cualidad o parámetro más del sonido, equiparable a la frecuencia (tono), amplitud (intensidad) y duración.

EL SWING EUROPEO (Alejandro Patrizio)


Por primera vez en la historia, el jazz trasciende fronteras y se produce una fuerte expansión hacia sociedades exteriores. Así, la crisis de 1929 expulsa a un buen número de jazzmen hacia la meca europea, receptiva y vigorosa, y comienzan a crearse formas de Swing autóctonas.
La escuela principal, como era de esperar, se desarrolla en París, con un dominio casi abusivo del Hot Club de Francia. Se trata de un swing elaborado con un lenguaje absolutamente hot, cuyo principal representante es el grupo-estrella del Hot Club: El cuarteto del guitarrista gitano francés (aunque nacido en Bélgica), Django Reinhardt, creador de un estilo personal e inconfundible que aún hoy en día tiene influencia en buen número de instrumentistas modernos, y de su violinista, Stephane Grapelli. La escuela creada por Reinhardt se denominó jazz manouche.

ORÍGENES DEL SWING (Alejandro Patrizio)

El Swing aparece, como estilo, en el momento en que se plantea la crisis económica de 1929. 

El Mainstream (Estilo Nueva York), necesitado de una subsistencia cada vez más costosa, se comercializa, recibiendo influencias muy fuertes de tradición europea y del music hall.
La crítica blanca comienza a valorar los aspectos más asimilables del jazz, buscando producir una imagen conforme a la normalidad musical occidental. Lo que estaba en juego en este proceso de dominación económica del jazz por los intereses comerciales blancos (además, y quizás por ello, de los beneficios que producía), era la garantía de perpetuación de los mismos mediante toda clase de presiones sobre el desarrollo de la música: Lanzamiento de modas, de músicos con carisma, de estilos, de bailes... Se trata, en definitiva, de una cada vez más profundacolonización, pareja a la popularización del jazz (que comienza a trascender fronteras) y que llevó a su aceptación por la burguesía blanca estadounidense, en sus versiones más comerciales, vendidas por la prensa incluso con la concesión de títulos tan ficticios como el de Rey del jazz, otorgado a Benny Goodman.

EL ALL COUNTRY EN LA ACTUALIDAD (Alejandro Patrizio)

Algunos de los artistas actuales de alt-country fusionan folk tradicional, Americana, gitana, blues, bluegrass, country y rockabilly con punk para crear un estilo original de música bien enraizada en la alt-country pero con un lado menos evidente y más oscuro.

Los instrumentos tradicionales como fiddles, banjos, armónicas, acordeones y mandolinas se mezclan con guitarras eléctricas, baterías potentes y bajos para crear un sonido dinámico y fuerte.
La escena queda además compuesta por músicos y artistas que comparten espacio con bailarines burlescos o circenses, es el caso de bandas como Wovenhand, Lilium, Slim Cessna's Auto Club, O' Death, Jay Munly, Strawfoot, Reverend Glasseye, Curtis Eller, William Elliott Whitmore, [he Handsome Family, Willard Grant Conspiracy y muchas otras.
Además existe un colectivo creciente de músicos a lo largo de EEUU que se encuentran más cerca del lado más siniestro creando una subcultura conocida como Gothic Americana. Mucho de este crédito se debe artistas de la escena de Denver de finales de los años 1990 como The Denver Gentlemen o 16 Horsepower.

EL COUNTRY PUNK (Alejandro Patrizio)

El cowpunk o country punk es un género musical que surgió en los años 1980 en el sur de Estados Unidos. 

El movimiento cowpunk tomó la inmediatez del punk con los sonidos y temáticas del country y la música tradicional estadounidense. Su origen estuvo también influenciado por el boom del psychobilly (con The Cramps y Stray Cats como cabezas visibles) y la aparición de bandas de swamp rock y punk blues como The Gun Club, que mezclaron punk con blues. Las primeras bandas fueron menospreciadas desde Nashville (Tennessee), uno de los grandes centros neurálgicos de la escena country tradicional.
Las bandas que dieron nombre al estilo son Jason & The Scorchers, Meat Puppets, Mojo Nixon, The Lazy Cowgirls, Beat Farmers, The Long Ryders, The Mekons y otras, como Social Distortion, que comenzó como un grupo de hardcore punk, fue variando hacia el cowpunk a finales de los años 1980.
La influencia del cowpunk se puede encontrar en la eclosión del country alternativo de principios de la década de 1990, o en bandas como Throw Rag, The Reverend Horton Heat y Supersuckers.

lunes, 30 de septiembre de 2013

EL FONOAUTÓGRAFO DE LEÓN (Alejandro Osvaldo Patrizio)

La primera invención conocida de un dispositivo capaz de grabar una vibración sonora fue el "fonoautógrafo", inventado por el francés Édouard-Léon Scott de Martinville y patentado el 25 de marzo de 1857. Podía transcribir una vibración sonora a un medio visible, pero no tenía un modo de ser reproducido después. 

El aparato consistía en un cuerno o un barril que recogía las ondas hacia una membrana a la que estaba atado una cerda. Cuando llegaba la onda, ésta vibraba y se movía y la vibración sonora podía grabarse en un medio visible. Inicialmente, el fonoautógrafo grababa en un cristal ahumado. Una versión posterior usaba un papel también ahumado enrollado en un tambor o cilindro. Otra versión dibujaba una línea representando la vibración sonora en un rollo de papel. El fonoautógrafo era considerado como una curiosidad de laboratorio para el estudio de la acústica. Era usado para determinar la frecuencia de un tono musical y para estudiar el sonido y el habla. No se entendió hasta después del desarrollo del fonógrafo ya que la onda grabada por el fonoautógrafo era de hecho una grabación del sonido que sólo necesitaba un medio de reproducción adecuado para sonar.
En 2008, estudiosos de la historia del sonido americanos reprodujeron por primera vez el sonido grabado por un fonoautógrafo.

El equipo logró tener acceso a los papeles con grabaciones del fonoautógrafo de Leon Scott que estaban guardados en la oficina de patentes de la Académie des Sciences francesa. Escanearon el papel en relieve con un sofisticado programa de ordenador desarrollado años antes por la Biblioteca del Congreso estadounidense. Las ondas del papel fueron traducidas por un ordenador a sonidos audibles y reconocibles. Uno de ellos, creado el 9 de abril de 1860 resultó ser una grabación de 10 segundos (de baja fidelidad pero reconocible) de alguien cantando la canción popular francesa "Au Clair de la Lune". Este "fonoautograma" es la primera grabación de sonido conocida así como la primera grabación que es, actualmente, reproducible. Muy anterior a la grabación de un reloj parlante de Frank Lambert y la de un concierto de Haendel realizada por la Compañía Edison, que datan de dos y tres décadas después, respectivamente
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EL RESURGIMIENTO DEL VINILO (Alejandro Osvaldo Patrizio)


Hoy en día el vinilo se sigue utilizando e incluso se puede apreciar un sólido y progresivamente ascendente retorno en círculos reducidos, principalmente en el ámbito del coleccionista audiófilo. Muchos artistas (sobre todo bandas de décadas pasadas) publican sus álbumes en el formato de CD y también en vinilo debido a que la demanda así lo merece. Además, el vinilo se utiliza en la música electrónica como herramienta fundamental para el scratch y por su gran desempeño en audio. Son muchos los sellos discográficos que aún fabrican y distribuyen este formato, destinado generalmente a DJ y coleccionistas. De hecho, muchos sellos dentro del panorama independiente y underground editan en vinilo a las bandas, siempre en tiradas más limitadas, pero de forma estable. Asimismo, cantidad de músicos de importancia han sacado vinilos de sus álbumes o bien de sus sencillos. También se generan los llamados Vinyl Timecode, que se utilizan para hacerscratch. Un dato aportado por la BBC Mundo durante el 2012, revela que en 2011 se vendieron casi un 40% de discos más que el año anterior con lo que se estaría confirmando, una vez más, la paradójica alza de la popularidad de este formato en un mundo cada vez más digitalizado.

EL PROCESO DE REPRODUCCIÓN DEL DISCO DE VINILO (Alejandro Osvaldo Patrizio)


El proceso de reproducción del disco de vinilo se fundamenta en la conversión mecánica del movimiento que sufre la aguja al seguir el surco, en una señal eléctrica que presenta idénticas variaciones a las del surco. En los equipos estéreo (que sustituyeron a los monaurales) los movimientos laterales representan la suma de los canales estéreo y los movimientos verticales representan la sustracción o resta de ambas señales. Estas señales eléctricas pueden ser generadas de diferentes formas, aunque lo más habitual es la de un conjunto de imán-bobina unido al vástago de la aguja, el cual está contenido en la cápsula fonocaptora, la cual a su vez está contenida en el brazo. El equipo reproductor se llama tocadiscos; pero modernamente también suele denominarse giradiscos. Las señales eléctricas generadas en la cápsula fonocaptora son procesadas para obtener las señales separadas en estéreo, enviadas al amplificador (integrado o separado) y de allí a los auriculares o altavoces.

EL ANUNCIO CANTADO (Alejandro Osvaldo Patrizio)

El jingle es un anuncio cantando en el que el producto y el nombre del anunciante son los protagonistas; de modo que se consigue que la marca sea fácilmente recordada por las personas.Para que el Jingle sea mucho mas efectivo, también se incluye un eslogan del la marca o se repite una frase como: Te invito.. por un vecindario nuevo... Ej : Leche,cacao,avellanas y azúcar...Nocilla.

Pueden cumplir distintas funciones y se pueden clasificar en varios tipos. Los más importantes son:
  • Jingle de programa. Usado para identificar un determinado programa.
  • Jingle ID. Es como un documento de identidad y sirve para identificar la emisora.
La eficacia de un jingle es esencial porque tiene que imprimirse en la memoria de quien lo escucha. Por esa razón tiene que ser claro, corto y fácilmente identificable para poderse distinguir pronto.
Al mismo tiempo los jingles son importantes porque son parte de la construcción del formato radiofónico: también sintetizan el estilo y el alma de la emisora. Por todas esta razones, la creación de los jingles es confiada a profesionales y es fruto de estrategias de mercado y creatividades distintas.

EL ARRABEL EN LA MÚSICA POPULAR ESPAÑOLA (Alejandro Osvaldo Patrizio)

El arrabel, también conocido como huesera o ginebra en gran parte de Castilla (España) y específicamente en la Meseta Central, es un instrumento tradicional castellano de percusión frotado.

Hecho con una serie de huesos (tibias de cordero o cabrito) unidos entre sí por medio de cuerdas o incluso alambres. Que se toca colgado al cuello, y sujetándose con la mano por la parte inferior, mientras se frota con una castañuela de arriba hacia abajo, lo que genera un sonido con el que se ejecutan diversos ritmos.
Es un instrumento usado en rondas en cualquier época del año, en algunos pueblos de Madrid y de La Mancha. Siendo más característico en las fiestas navideñas. También existen versiones hechas con caña endurecida al fuego, en vez de con huesos, que recibe el nombre de ginebra.
Por arrabel, además, se conoce al rabel (instrumento similar al violín) en Ávila y Toledo.

LA RONDA MUSICAL (Alejandro Osvaldo Patrizio)

La ronda es una composición vocal corta en la que dos o más voces cantan la misma melodía en el mismo tono (y puede continuar repitiéndose indefinidamente hasta que los cantantes decidan concluir), pero en la que cada voz comienza a cantar una serie de tiempos después de la anterior, de modo que la melodía se imita a sí misma de forma similar al canon.

Es una de las formas musicales más fáciles del canto, ya que basta con que todas las partes aprendan una única línea de melodía. Esta forma musical forma parte de la música tradicional popular de muchos países.
La caza era un tipo de ronda escrita en la Inglaterra de los siglos XVII y XVIII, cuyo texto era típicamente humorístico y contenía juegos de palabras, que en ocasiones eran obscenos.
La ronda más antigua en inglés es "Sumer Is Icumen In", que es para 4 voces, más 2 voces graves cantando un motivo, al igual que en el canon. Las primeras rondas publicadas en inglés fueron impresas por Thomas Ravenscroft en 1609. "Three Blind Mice" ("Tres ratones ciegos") apareció en esta colección. Muchas de las rondas impresas por Ravenscroft también aparecen en un manuscrito de 1580 (KC 1) y varias se mencionan en las obras de William Shakespeare, por lo que estas pequeñas cancioncillas parecen haber sido muy populares.

LA OFRENDA MUSICAL DE JUAN SEBASTIÁN BACH


La obra La Ofrenda Musical, de Juan Sebastian Bach, es uno de los exponentes de la creación de casi todos los tipos de cánones conocidos. Por ejemplo, además de las fugas (llamadas en ésta obra Ricercare, del italiano) a tres y seis voces contaría con un canon de los siguientes:
  • Tres naturales, uno a la octava, otro a un intervalo de quinta (epidiapente) y un tercero al únisono, usando el Tema Regio en contraposición a voz canónica y su consecuente.
  • Cancrizante, basado en el Tema Regio.
  • Circular (por tonos), con el Tema Regio en contraposición a voz canónica y su consecuente.
  • Por movimiento contrario, con el Tema Regio en contraposición a voz canónica y su consecuente.
  • Por movimiento contrario, en contraposición a voz canónica y su consecuente.
  • Por aumentación y en movimiento contrario, en contraposición a voz canónica y su consecuente.
  • Un canon enigmático, cuya resolución puede establecerse de varias formas todas ellas coherentes.
Además dicha obra cuenta con una sonata para Violín, Flauta y Bajo continuo, que aunque no sea en repetición canónica estricta, contiene multitud de repeticiones canónicas entre los instrumentos solistas. Es un hecho remarcarle que el tema principal de cada movimiento en ésta sonata es una variación del Tema Regio, contrapuesto a temas secundarios siguiendo la forma sonata barroca.

EL CANON DE MESA (Alejandro Osvaldo Patrizio)

La relación entre el tema canónico y su consecuente es que éste ha sufrido una reflexión especular interválica y temporal, por lo que es una mezcla de los dos tipos anteriores de canon, conteniendo ambos tipos de simetría. 

No suele presentar desfase temporal entre el antecedente y el consecuente, comenzando ambos a la vez. A veces a éste tipo de canon también se lo nombra al espejo ya que un canon de esta naturaleza atribuido a Wolfgang Amadeus Mozart recibe el nombre Der Spiegel (El Espejo en alemán) lo que puede prestar a confusión con los tipos anteriores de canon. Desde un punto de vista estricto, al reflejar la partitura paralelamente en un espejo la lectura del ejecutante seguiría yendo de izquierda a derecha y sólo presentaría el tipo de simetría interválica (canon inverso) y análogamente de forma perpendicular se obtendría la inversión temporal del tema (canon retrógrado), por lo que el consecuente del canon de mesa no podría considerarse una imagen especular del tema canónico de ningún tipo; sería necesario un giro de 180 grados del tema canónico para poder obtenerlo.
El nombre de Canon de Mesa se debe a que con una sola partitura con el tema canónico dispuesta en una mesa con dos ejecutantes enfrentados sería suficiente para la lectura de ambos músicos, tanto para la voz canónica como para el consecuente.

ESTRUCTURA DE LAS CANCIONES ESPIRITUALES (Alejandro Osvaldo Patrizio)

Aunque los espirituales negros no responden necesariamente a una estructura única, la forma usual de los mismos es la del responso, costumbre de origen escocesa, transmitida básicamente a través de los libros de himnos de Isaac Watts, cuya edición de 1820 fue muy popular en el sur de la Unión. 

Para mejor aprenderse los textos, el predicador cantaba un verso, y la congregación lo repite después. Del mismo modo, el solista cantaba (a veces improvisando) un verso y el coro lo repetía, de forma rítmica. El ritmo solía ser alegre en los llamados "cantos de jubileo" (jubilee). No obstante, existen también espirituales impregnados de melancolía, lentos e intensos, con textos relacionados con la muerte o con los sufrimientos de Jesucristo (con quien se identifica el cantante). Los espirituales son cantos, en cualquier caso, colectivos, con independencia de que existan voces solistas. Algunos autores sostienen que los espirituales eran, casi siempre, canciones de protesta en clave.
Las primeras recopilaciones de espirituales recogían todos en modo menor, aunque la realidad es que, en la mayor parte de los casos, se trataba de temas en modo mayor con ciertas notas, especialmente la séptima, un semitono más grave que las correspondientes de la escala mayor natural: estas notas rebajadas un semitono se conocen como blue notes, por ser características del Blues.

LA INTRODUCCIÓN DE LOS HIMNOS LATINOS (Alejandro Osvaldo Patrizio)

Desde los primeros siglos de la Era cristiana se introdujo en las ceremonias religiosas el uso de cantar salmos e himnos. La creación de la himnodia se atribuye a San Ambrosio (397), que compuso una infinidad de ellos llenos de unción, sublimidad y energía. Posteriormente le seguirían San Benito y el movimiento monástico por él impulsado hasta que el himno se aceptó para los oficios divinos.

Algunos papas como Inocencio III, Clemente VII y San Gregorio los hicieron de una majestad sublime. Entre los cientos que usa la Iglesia católica citaremos el Stabat Mater, producción de Inocencio III, que también compuso el Veni Sancte Spiritus; el Dies irae, composición del franciscano Tomás Celano; o el Ave maris stella, que salió de la pluma de San Bernardo.
Pero los himnos que descuellan por la majestad, sublimidad y augusta locución en las ideas son los que compuso el doctor de la Iglesia Santo Tomás de Aquino para el rezo del Santísimo sacramento y festividad del día del Corpus; así, el Pange lingua.
De los primitivos himnos, cuando la música era puramente melódica se pasó posteriormente a melodías de canto llano y no se compondrán himnos en estilo polifónico hasta el siglo XIII. La obra más famosa será la compuesta por Palestrina en 1589: Hymni totius anni.

LAS CANCIONES POPULARES (Alejandro Osvaldo Patrizio)


Las canciones populares son cánticos que pueden ser considerados una variante entre las canciones artísticas y las canciones folclóricas. Son usualmente acompañados en ejecución y grabación por un grupo musical. No son anónimas y tienen autores conocidos. Con frecuencia, pero no siempre, sus autores escriben las notas musicales o las transcriben después de haber sido grabadas y tienden a ser creadas en colaboración de todo el grupo musical, aunque el texto de la canción es usualmente escrito por una persona, de ordinario el cantante principal. Las canciones populares a menudo tratan sobre individuos e identidad cultural. Los artistas generalmente no tienen experiencia o una educación vocal determinante, pero frecuentemente usan técnicas vocales sumamente estilizadas. Muchas personas consideran que las canciones en la música popular son en general más simples que las canciones artísticas.